C.A QUINTET - Trip Thru Hell - (1969)
Jimmy Erwin (bs), Ken Erwin (vcls,tpt), Rick Patron (drms), Tom Pohling (ld gtr), Doug Reynolds (kbs).

J’ai souvent fantasmé sur la couverture de cet album, croyant avoir affaire à une bande d’allumés et j’ai été surpris de découvrir un groupe de collégiens très ordinaires ; cependant, ne vous fiez pas à leur allure et jetez une oreille à ce disque qui est souvent très inventif et qui mérite une certaine attention.
Je vous recommande aussi fortement d’acquérir l’édition Sundazed qui rétablit l’ordre original des morceaux et livre près d’une douzaine d’inédits et un livret très complet.
L’album, très court au demeurant avec ses 7 titres, démarre par une atmosphère mystérieuse, éthérée et de nombreux changements de rythmes ; on retrouvera ce même morceau à la fin de l’enregistrement où il s’achève sur une ambiance bien plus sombre, comme si l’enfer était atteint.
Les solos de guitare sont nombreux et originaux, avec une volonté affichée de paraître déstructurés, mais en fait très contrôlés. La basse est magnifique, ronde à souhait. L’organiste s’en tire plutôt bien, à la différence du batteur assez limité. Les meilleurs titres me semblent être les 1, 3 et 4. Recommandé.

Ce disque est l’oeuvre de musiciens de studio qui enregistrèrent les 2 parties formant ce court opus (il ne dépasse pas les 22 minutes). Le label DropOut propose les versions mono et stéréo, sans que cela n’offre un intérêt particulier. Philippe Thièyre parle excellemment de Tanyet qui raconte l’histoire de la terre où  les hommes marchaient avec les dieux dans une succession de petites pièces musicales. Est-ce pour autant une excellente collection de titres influencées par la musique indienne, comme le pense Vernon Joynson ?
Sous le galimatias pseudo-ésotérique reproduit dans le livret, la musique proposée est en effet bourrée de sitar qui domine nettement les autres instruments.
L’ensemble se veut donc une rencontre de la musique occidentale avec celle de l’Inde.
Je trouve personnellement le disque profondément ennuyeux et sans grande originalité.
La batterie est lourde, monocorde et la guitare rappelle beaucoup par sa sonorité, hachée et acérée, le style du Captain Beefheart.
Il reste que le disque est surtout remarquable pour la féerique peinture de la pochette, chef d’œuvre irrésistible et naïf de l’art psychédélique, comme le dit encore si bien P. Thièyre.Il faut bien sauver quelque chose.
      

Il s’agit du 1er groupe rock de la baie de San Francisco et, à ce titre, cette formation est devenue mythique. Pour la partie biographique, je vous renvoie à l’article très documenté de Philippe Thièyre, que vous compléterez utilement par celui de Vernon Joynson et la lecture du superbe livret édité par le label Big Beat.
Les Charlatans n’ont peut-être pas mieux mérité leur nom car les amateurs de psychédélisme pourront être déçus à l’écoute de leurs compositions : rien de révolutionnaire chez eux, mais, au contraire, un respect marqué pour les racines de la musique populaire américaine (blues, country, folk, honky tonk…) qui "se fondent en un folk rock électrique et acide" (Philippe Thièyre). On retrouve ces influences dans la reprise de nombreux traditionnels, dont le fameux "Alabama Bound? qui deviendra l’hymne du groupe, et dans leurs propres compositions (écrites essentiellement par Dan Hicks) qui relèvent d’un esprit très nostalgique.
Par ailleurs, les musiciens s’exhibent volontiers dans des tenues vestimentaires recherchées, affichant ainsi clairement leur volonté de jouer des personnages en adéquation avec la musique proposée.

Ce groupe est originaire de San Antonio, Texas. L’édition Gear Fab présente l’intégralité de leurs enregistrements, pré et post Children (que je considère comme d’un intérêt très mineur), et le livret détaille abondement les aléas de cette formation fort attachante.
J’ai été surpris de constater que leurs meilleurs titres (n° 10, 12, 15 & 16) n’étaient pas signés par L. Cabaza, auteur de tous les arrangements, mais du duo Ash/Perron. Je pensais que la singularité des Children était à mettre au compte d’une volonté d’élargir leur registre, en faisant appel à des cordes et des vents et en donnant ainsi naissance à des morceaux charmants, mais il s’avère que ce sont les titres les plus musclés qui éveillent l’intérêt : la force des Children réside dans leur facilité à provoquer des changements de rythmes, alternant les passages calmes et enlevés, où les soli sont inexistants, mais, dans lesquels le groupe se révèle complémentaire et expressif.
Sans vouloir être aussi dithyrambique que Stanton Swihart, dans sa chronique pour All Music, je pense que cet enregistrement vaut le détour.

Je pensais avoir affaire, avec ce groupe texan, à un combo jouant un blues rock sans génie ou à du heavy psy sans réel intérêt. Je me suis bien trompé : leur album vaut le détour et on peut remercier le label Gear Fab pour la réédition de ce petit trésor ; le livret vous donnera tous les détails sur cette formation éphémère qui n’enregistra que cet unique opus.
Je soulignerais avant tout la solidité de la section rythmique (titre 4 notamment), inventive et très sûre (Hand et Simpson palliant efficacement les déficiences de Doug Tull) ; la subtilité de Richard Avitts (titres 8 et 10), économe et disert à la fois, ainsi que la très belle voix de Doug Walden, bassiste fort convaincant (titres 3 et 5).
L’atmosphère générale est assez particulière, comme si elle véhiculait une certaine inquiétude, ceci n’empêche pas Christopher de rester proche de l’esprit californien (cf. morceaux 2 et 4) ; le groupe affecte aussi les mid tempo, permettant à la musique de se développer sans contrainte au travers de nombreux break. Recommandé.

Groupe homonyme de son prédécesseur texan, mais originaire de Caroline du Sud ; formation elle aussi éphémère (mai 1968 - octobre 1969), dont l’histoire est retracée dans le livret du label Scenescof.
Je trouve ce disque très moyen, sans inspiration particulière et bien loin d’égaler ses homologues du Texas.
C’est un combo classique, jouant un rock acide très convenu : les 2 premiers morceaux m’ennuient beaucoup et il faut attendre des compositions plus courtes pour apprécier une certaine énergie (titre 3) ou un petit côté classique (titre 5) assez agréables.
La pochette est dithyrambique et parle du "légendaire album psychédélique" de ce groupe : je suis beaucoup plus réservé et considère qu’il existe de nombreuses pépites qui mériteraient une réédition au lieu de ce très dispensable enregistrement.

Ah ! Quel groupe. Je suis un grand fan de la 1ère formation qui a su mêler, avec bonheur, à un bagage rock les influences de certaines musiques orientales. Les Churchills sont à la base trois musiciens israéliens, rejoints par un anglais (Huxley) et un canadien (Solomon).
Leur 1er album est un petit bijou qu’il faut, mis à part 2 ou 3 choses un peu datées, impérativement acquérir. Il reflète parfaitement cette époque avec la spontanéité, l’insolence et le brio de musiciens curieux et inventifs. L’intelligence des membres fondateurs, Gabriellov & Romano, est d’avoir su laisser parler leurs racines méditerranéennes, ce qui donne ce cachet si particulier à leur musique : vous trouverez de très belles interventions de fuzz (titres 6, 9, 10) ou des solo tranchants (8, 11, 15), mais, lorsque la mandoline apparaît, la singularité de ce groupe éclate réellement (4 et - point d’orgue de l’album - titre 12). Très recommandé.
Après le départ de Salomon, ils engagèrent un nouveau chanteur qui les fit rentrer dans un moule beaucoup plus conventionnel. C’est aussi le départ pour l’Angleterre et la recherche du succès selon des critères établis. Fin de l’originalité des Churchills et naissance des Jericho Jones. Leur 2nd album n’est pas mauvais mais il n’apporte rien de nouveau : on y trouve l’influence du hard & des Beatles dans la voix de Shoshan, de nombreux changements de rythmes dans des morceaux alternant les mid tempo et des passages plus durs ; les derniers titres sont plus intéressants (quelques zestes des Churchills).
A noter un livret quasi entièrement rédigé en hébreu et des incohérences dans la durée et la numérotation des compositions (CD 2).

CHURLS - Same & Send Me No Flowers - 1968-69
Harry Southworth Ames (gtr), John Barr (bs), Brad Fowles (dms), Sam Hurrie (gtr), Robert O’Neill (vcls) ; same +  Newton Garwood (kbds,vcls) replacing Hurrie.

Je n’ai que très peu de renseignements biographiques sur ce groupe canadien anglophone, originaire de Toronto, venu tenter sa chance à New-York à la fin des sixties où il  y a enregistré les albums ici chroniqués. Ces musiciens ont effectué en compagnie de Muddy Waters et Blod, Sweat & Tears la tournée des universités de la côte Est.   
Leur musique est très pêchue, surtout dans l’album éponyme, mais, elle se démarque des nombreux autres groupes garage par une production de bonne qualité et un sens mélodique indéniable. L’utilisation intelligente de la wah-wah, des titres simples mais accrocheurs, une belle voix, les Churls méritent d’être redécouverts : la jolie guitare d’Eventual Love, les cuivres de Crystal Palace et de Where Will You Be Tomorrow,le groove communicateur de Think I Can’t Live Without You, la ballade offerte avec Princess Mary Magaret, l’enlevé City Lights, les riffs de Fish On a Line, le Stonien The Weeks Go By et la reprise de Reservations sont de très bonnes réalisations qui étonnent par le plaisir simple qu’elles communiquent ; il reste que le sommet de ce disque reste Time Piece où la fuzz est la reine des lieux dans des interventions grandioses ; il faut cependant reconnaître que Gipsy Lee n’est pas mal non plus avec un solo à décorner un bœuf.
Send Me No Flowers amène un changement parmi les musiciens : un organiste fait son entrée dans le groupe à la place de l’un des 2 guitaristes, or, cette modification ne semble guère affecté le combo si l’on en juge le titre éponyme qui ouvre fort efficacement l’album, avant l’arrivée d’un beau mid-tempo avec I Can See Your Picture, puis, que l’orgue n’imprime sa marque sur des titres comme See My Way ou She Needs A Man ; certains morceaux manquent pourtant de spontanéité comme Long, Long Time ou Too Many Rivers ; il reste un bon Trying To Get You (peut-être inspiré par le Got To Get You Off My Mind de Solomon Burke) où la hargne première refait enfin surface.
Dernière précision : leur nom se traduit par Les Rustres ou les Mal-Élevés, mais, ils paraissent très sages dans leurs costumes médiévaux de pochette (label Synton).

Ce groupe est né de la rencontre de J.J. Walker avec Bob Bruno au Texas. Le duo monte à New-York, est repéré par un producteur et s’attache les services de 3 autres compères pour enregistrer les 2 albums évoqués ci-dessus sur le label Vanguard.
Leur 1er opus n’est pas désagréable mais il n’est pas non plus transcendant. Le duo fondateur se partage les compositions, plus psychédéliques et jazzistiques pour Bruno que celles de Walker, aux influences très folk-rock (des Byrds, notamment, avec un solo entièrement pompé sur ces derniers, cf. titre 1). Bref, au total, un enregistrement correct, aux voix agréables mais dont l’originalité n’est pas la qualité première (les 2 derniers morceaux ressortent un peu plus de l’ensemble). A noter : la qualité musicale du bassiste.
Le 2ième album se différencie du précédent par l’emploi systématique des claviers (la maîtrise de jeu de Bruno est indéniable) et la différence dans le traitement des voix : au chant calme et posé de Walker contraste celui énervé, et presque irritant, de Bruno. Par ailleurs, le titre éponyme est intéressant avec ses effets sonores, le solo de piano proche de celui de "Wind" du 1er disque et un break intelligemment amené. Enfin, Gary White joue toujours aussi bien.

Je vous présente l’un de mes groupes psychédéliques préférés. Je suis un inconditionnel de cette remarquable formation.
Les raisons de cet attachement sont dues à l’énergie et à l’impétuosité du groupe, à l’imagination des musiciens et à la richesse des instrumentations.
Toutefois, avant d’aborder la chronique proprement dite, je voudrais rectifier une erreur de Vernon Joynson qui indique que ces albums datent de 1970 ; il n’en est rien et ce sont bien les 2 premiers enregistrements de Corporation (cf. P. Thieyre), originaire de Milwaukee (Midwest).
Le 1er disque est marqué par des guitares fuzz, à la sonorité très métallique qui restera l’une des marques de fabrique du groupe, mais aussi par une batterie qui roule sans fin, des sifflements, des riffs d’orgue, une flûte en folie … Le titre 4 est, en ce sens, caractéristique de cette intensité, mais, d’autres morceaux peuvent aussi être nominés (les 2 derniers ou le titre introductif). Corporation frappe fort d’entrée et continuera sur cette lancée, sans jamais décevoir.
Sur le 2nd album, les compositions prennent de l’ampleur et sont de grands moments de psychédélisme : changements de rythme ; guitares acides, féroces et tranchantes ; trompette triomphante ; flûte folle et orgue omniprésent, bref, tout y est. La musique est conduite avec maestria, le style est puissant mais jamais agressif, à la différence du hard. Les titres 9 et 10 sont excellents.
Extrêmement, hautement et vivement recommandé.

CORPORATION - The Corporation - (1969)
Kenneth Bernard Berdoll (bs,vcls), John Alexander Kondos (gtr,flt,hrp,p,vcls), Nicholas Alexander Kondos (drms,vcls), Patrick Daniel McCarthy (clvs,trbne), Daniel Vincent Peil (vcls), Gerard Jon Smith (ld gtr,vcls).

Il s’agit du 3ième et dernier enregistrement de cet excellent groupe.
Il débute avec un remarquable morceau où l’on retrouve la même énergie des albums précédents et cette puissance sans cesse relancée par des sifflements, des interventions de l’orgue & de la flûte. Il se poursuit avec un second titre tout aussi enlevé avec un solo de guitare très acide. Celle-ci est toujours présente dans la composition suivante avec cette sonorité caractéristique, tranchante avant tout. Les deux autres morceaux sont basés sur une trame bluesy pour l’un et un bon duo orgue-flûte pour le cinquième.
Le dernier titre est l’adaptation d’une composition de John Coltrane, "India", d’une durée de près de 20 mn ; il s’agirait de la seule réalisée par un groupe rock et, comme le dit avec justesse P. Thieyre, elle "n’engendre pas une seule seconde d’ennui ou de monotonie" : c’est une succession de solos de fuzz, d’orgue, de flûte, de basse accompagnée par une batterie qui, si celle n’égale pas celle d’Elvin Jones, virevolte et colle à la trame du morceau, lequel s’achève par les voix en chœur et les percussions qui veulent évoquer l’appel d’un pays lointain. Toujours aussi recommandé.